COPIA FIEL

¿Que más puede decirse sobre una obra teatral cuando el impacto que produce en el espectador es de tal magnitud que apenas puede incorporarse de su butaca al finalizar la misma? Esto es lo que sucede con "Copia Fiel", escrita y dirigida por Analia Couceyro. La accíón se ubica en un sombrío instituto, "Harvest", controlado por personajes de singulares características. En ese lugar se producen clones de cuerpos femeninos, los que servirán, primero, para "producir" fetos; luego de esto, esos clones continuarán donando todos sus órganos hasta llegar el momento de "completar", con el cual cerrarán el ciclo de sus existencias. La revelación contra este sistema surge cuando se plantean la necesidad de lograr un aplazamiento, para lo cual intentarán demostrar un talento superior que les permita apartarse -o al menos alargar-, ese final preanunciado, al cual están irremediablemente condenadas. El enfrentamiento entre las que inician este recorrido y aquellas que se encuentran sobre el final del mismo resulta de los momentos mas intensos de la obra. Por fuera de esas paredes, la sociedad que no permite lo que está sucediendo adentro, será un catalizador determinante para llegar a un final, abrumador y conmocionante, que deja sin palabras al espectador.  Resultaba muy dificil plasmar en imágenes teatrales la contundencia de un texto de semejantes características, tarea de la cual la autora-directora y su equipo salen mas que airosas. La armonia alcanzada entre los integrantes de un elenco alcanzaba niveles interpretativos de excelencia. Sin duda, la acertadísima mano de su directora constituye el factotum indispensable para ello: en su doble rol, Couceyro logra armonizar lo impiadoso del texto con una ajustadisima puesta en escena y una milimétrica marcación de actrices -lo que no resultaba una tarea fácil teniendo en cuenta el numeroso elenco con el cual contaba-, logrando una propuesta final demoledora, a la que no se puede permanecer ajeno.

COPIA FIEL

Teatro Apacheta Sala Estudio

Pasco 623 - C.A.B.A.

Domingos 17:30 horas

COCK

Autor: Mike Bartlett. Adaptación: Daniel Veronese. Intérpretes: Leonardo Sbaraglia, Elenora Wexler, Diego Velázquez y Jorge D'Elia. Escenografía y arte de video: Alberto Negrín. Iluminación: Marcelo Cuervo. Dirección: Daniel Veronese.

Un muchacho descubre, después de compartir años en pareja con otro hombre, que comenzó a experimentar "algo" por una mujer. Este pareciera ser, a simple vista, el argumento de "Cock", la obra del inglés Mike Bartlett, que se presenta en la Sala Pablo Picasso del Complejo La Plaza. Sin embargo, a poco de desarrollada la trama, se verá que ésta ahonda en otras cuestiones, mucho mas profundas y complejas: ell miedo a no saber quien es uno, si no se ve reflejado en otra persona. La desesperación por perder al otro, puesto que uno debería hacerse cargo de su propia vida, lo que plantea angustias e incertidumbres. En un intento final por tratar de resolver el momento que atraviesa, el protagonista confrontará a su pareja con la mujer que se les ha interpuesto. En una cena familiar, de la cual también será participe el padre de uno de ellos, se precipitarán los acontecimientos hasta el decisivo final. Con un lenguaje cotidiano, simple, no extento de un humor directo que genera carcajadas en el espectador -elemento absolutamente catártico que ayuda a soportar amablemente lo que se está contando-, el autor sigue las peripecias de esta atormentada criatura, a la cual Leonardo Sbaraglia interpreta de manera convincente, absolutamente despojado de manierismos y dotándolo de los matices justos para crear empatía con el espectador, quien lo adopta de inmediato. A su lado, Eleonora Wexler y Diego Velázquez, en brillantes composiciones, completan este trío, del cual resultarán, a su vez, víctimas y victimarios. Ella, como la mujer desesperada por huir de la soledad que terminará aceptando lo que se le presente, sin medir las consecuencias, y El, como la pareja despechada que intentará por todos los medios retener a quien considera valioso trofeo, más allá de los sentimientos los cuales, planteado el juego como está, poco importan. Por´último, Jorge D'Elia, cumple un rol sumamente acertado como el padre de uno de ellos, en una celebrada intervención que permitirá vislumbrar, en cierta medida, porque las acontecimientos han llegado al punto en el cual se encuentran.

COCK

Funciones de Miércoles a Domingos

Miércoles, Jueves y Domingos: 21 horas

Viernes: 21:30 horas

Sábados: 20 y 22 horas

Plateas: $140, $160 y $180.-

MAMA CORA UN MUSICAL 100% ARGENTO

Adaptación de "Esperando la carroza" de Jacobo Langsner. Intérpretes: Valeria Robles, Antonia Acosta, Silvia Mariposa Guaraz, Oscar Villegas, Erica Vita, entre otros. Puesta en escena y dirección: Valeria Robles.

Resulta incuestionable el enorme placer que significa reencontrarse con la disfuncional familia Musicardi,, tan cercana a los corazones argentinos desde que Alejandro Doria la presentó, a nivel masivo, a raíz del suceso cinematográfico que significó "Esperando la carroza", estrenada en el año 1985. Por eso es sumamente grato acercarse a la adaptación que propone la directora Valeria Robles, en esta versión bautizada como "Mama Cora". El conocimiento que se tiene de estos personajes es de tal envergadura que, viéndolos, uno se siente como si estuviera en el living de su casa (o en la de algún familiar) compartiendo las vicisitudes por las que atraviesan mientras intentan resolver que harán con "la vieja", la cual se ha convertido en un estorbo. No deja de llamar la atención, en un primer momento, que se haya tomado el guión de la película -el cual es respetado milimetricamente, con algunas licencias- y no el del libro original, pero, con el correr de los minutos, se intuye que la intención de la directora ha sido la de buscar en el espectador la complicidad adecuada para disfrutar a lo grande de estos acertados, frescos y desopilantes diálogos. En el plano de las actuaciones, justo es reconocer que la balanza se inclina favorablemente por el lado femenino, puesto que los personajes de Susana, Elvira y Nora son quienes, decididamente, llevan el sosten de la obra. La actuación de Valeria Robles, como Susana, es encomiable, tanto por la fuerza puesta en el decir como por la entrega corporal que la actriz brinda a su criatura. Al dotarla de los matices exactos, la intérprete concita, obligatoriamente, la atención del espectador; tan dificil en casos como éste, por tratarse de un texto en el cual se juega el lucimiento de muchos, y diversos, personajes.  A su turno, no puede dejar de resaltarse la interesante composición que Silvia Mariposa Guaraz realiza de Elvira; apuntado lo dicho anteriormente sobre la fidelidad guardada al texto cinematográfico, resultaba un verdadero desafío interpretarla sin que el recuerdo de China Zorrilla se hiciera presente. Por eso resulta aplaudible que la actriz logre componerla con recursos propios, alejados de cualquier imitación, sin perder por ello toda la malicia y la ocurrencia requeridas por el personaje. Por el lado masculino, con excepción de Oscar Villegas -correcto como Antonio-, Mario Amarante y Facundo Herrera, en sus roles de Sergio y Jorge, respectivamente, brindan actuaciones no del todo felices; en tanto que al primero se lo nota vacilante, el segundo juega con un permanente guiño complice hacia el público, lo que, por momentos, pareciera alejarlo de la escena. El resto del elenco cumple adecuadamente con sus roles, destacándose Anahí Gorondon, como Elisa, y Erica Vita, como Matilde. La inclusión de cuadros musicales aportan un colorido matiz a esta propuesta. Un detalle a tener en cuenta, que seguramente mejorará con el transcurso de las funciones, es el manejo de la iluminación; la misma luce desajustada por momentos, lo que crea incertidumbres visuales que, sin llegar a perjudicar la puesta, incomodan.


TEATRO CORRIENTES AZUL
Av. Corrientes 5965
Sábados: 21 horas
Platea: $60.-

MACBETH

De William Shakespeare. Traducción: Daniel Zamorano. Intérpretes: Alberto Ajaka, Mónica Antonópulos, Luciano Cáceres, Agustín Rittano, Julieta Vallina, Alberto Suárez, Leonardo Saggese, Fabio Aste, William Prociuk, Ezequiel Rodríguez, entre otros. Escenografía: Alicia Leloutre. Iluminación: Gonzalo Córdova. Asistencia artística: Andrea Garrote. Dirección: Javier Daulte.

La vigencia de un clásico como "Macbeth" resulta innegable cuando, como en este caso, se lo viste de una escenografía que resulta, en primer término, lejanamente coincidente con la época en la cual transcurre la historia. La atemporalidad que propone esta puesta en escena cumple acabadamente con el propósito de enervar la fuerza de la historia del noble devenido asesino, sometido por un doble juego de fuerzas: por un lado, la profecía inicial en el cual tres brujas le auguran un futuro reinado así como, por el otro, la instigación a la cual se ve sometido por su intrigante su esposa para eliminar al monarca de turno -en aras de lograr que se cumpla aquel designio-, lo que llevará al protagonista a una enloquecedora cadena de crimenes y lo terminará destruyendo. La dirección de Daulte aprovecha claramente el espacio escénico que propone la sala Martin Coronado del Complejo Municipal San Martin para transmitir, en esta suerte de palacio con vestigios de usina eléctrica, toda la potencia que la trama requiere. Por el lado de las interpretaciones, Alberto Ajaka, Mónica Antonópulos y Luciano Cáceres en los roles de Macbeth, su esposa y Macduff, respectivamente, se lucen ampliamente al cubrir a sus criaturas de la infinita variedad de matices requeridos; en este sentido, la escena de Lady Macbeth vagando por el castillo atormentada por las manchas de sangre que ve en sus manos resulta el momento de mayor lucimiento de la intérprete, así como lo es la escena del enfrentamiento final entre Hamlet y Macduff.  El resto del numeroso elenco, entre quienes se destacan Agustín Rittano, Julieta Vallina y Fabio Aste, acompaña con oficio esta propuesta. Un único reparo para el director es la inclusíón del personaje del portero; el mismo, oficiando de separador -al estilo de un acto vivo- no aporta nada a la trama y termina por dispersar al espectador. 

COMPLEJO MUNICIPAL GENERAL SAN MARTIN
Sala Martín Coronado
Funciones:
Miércoles a Domingos: 20:30 horas.
Platea: $80 - Superpullman: $60
Miércoles (día popular):$40

RECORDANDO CON IRA

Título original: "Look back in anger". Autor: John Osborne. Adaptación y dramaturgia: Mauricio Kartun. Intérpretes: Esteban Meloni (Jimmy); Romina Gaetani (Allison); Andrea Bonelli (Helena) y Guillermo Arengo (Cliff). Escenografía: Graciela Galán. Iluminación: Jorge Pastorino. Dirección: Mónica Viñao.

Jimmy Porter transcurre sus dias en un sofa, en compañia de su amigo Cliff, intentando modificar un mundo por el cual, en definitiva, nada hace y sometiendo, por otra parte, a su esposa, Allison -quien pareciera permanecer inmutable frente a ello- a un destrato psicológico originado, en apariencia, en las diferencias sociales que separan a ambos. Sus existencias grises son sacudidas con la aparición de Helena, amiga de la mujer y actriz con intenciones libertarias, quien irrumpirá en la casa provocando una crísis en la pareja, que, sin embargo, no traerá consecuencias definitivas. Esta es la historia que John Osborne presentó al público, en 1956, al estrenar "Recordando con  ira", en Londres. Mucho se habló del carácter autobiográfico de la obra, a punto tal que al propio autor se lo incluyó en el grupo de intelectuales a quienes se denominó "jovenes iracundos", en referencia a la juventud de posguerra que vió perder sus ilusiones en el mismo instante en que Inglaterra dejaba de ser un imperio. Justo es reconocer que el tono de crítica social impreso a la obra y las circunstancias históricas en las cuales fue escrita no llegan a la actualidad con la misma intensidad que pudo haber tenido en su época; lo que no significa que no resulte una interesante propuesta en la cartelera teatral porteña. Con adaptación de Mauricio Kartun y la dirección de Mónica Viñao, "Recordando con ira" encuentra en las interpretaciones de sus dos actrices (Romina Gaetani y Andrea Bonelli) los puntales mas altos. Resulta extraño que no suceda lo mismo con el personaje protagónico, siendo Esteban Meloni, uno de los mas promisorios actores de la nueva generación, por cuanto, en este caso, dotó a su Jimmy de un tono de voz excesivamente bajo al comienzo, lo cual -y segun la ubicación en la cual uno se encuentre en la sala- dificulta la audición para pasar a un tono exasperante que pareciera tener mas que ver con el intérprete que con su criatura. Por su parte, Guillermo Arengo resuelve con corrección un rol que no requiere mayores exigencias. Acertadas la escenografía y la iluminación, esta última jugando un papel decisivo en la historia.

Sala Casacuberta del Complejo Municipal General San Martín
Miércoles a sábados: 20 horas. Domingos: 19 horas.
Plateas: $80 (Miércoles -popular- $40)